网友提问：
在绘画艺术中，为什么“减法比加法更能体现出作品的灵魂”？
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中国绘画的最高标准一直遵循“化繁为简”的原则，就是说，要用简洁、精炼的笔墨，表达出深刻的内在韵味，给观者留下丰富的想象空间，或者说是“审美再创造”空间。它是画外之意的一种延续，符合我国传统道家哲学的精髓。
道家哲学常说：一生二，二生三，三生万物。恰恰就是中国画最终的艺术目的。像我国明末清初的绘画大师八大山人（1626年——1705年），就是深谙“化繁为简”的宗师。他对国画笔法有着非常精深的研究，用书法笔法入画，是他国画的最显著特色。他的画法被认为是最纯正的中国画的创作规范。
他用简洁的线条，勾勒出凝练沉着的形象，画中看不到一点多余的笔墨，犹如浓缩的精华，既纯粹又纯正，同时，采用大量“留白”处理画面的构图形式，把虚实关系糅合得天衣无缝。正是虚实相生，能引发观者开启想象力。
在许多花鸟画中，八大山人喜欢用粗犷而又沉着的线条勾勒出一只鸟，背景中点缀几株稀稀疏疏的树枝或小草，小鸟漫不经心地张望，显得孤独却又高洁。这样的画面很容易让观者联想到人生况味，人活着时常被孤独相伴，只有远离人X和闹市，才能进行自我审视，发现个人内在的真性情和潜能，最终自我完善，提高个人境界。
正因为八大山人在绘画创作时，是遵循“以物观物”，追求物我两忘的那种境界，他所看到的物象，都是拟人化的物象，是赋予了人的喜怒哀乐情感的替代物，因此，他的绘画直接突破了繁琐的程式，完全变成了“托物言志”式的个人真性情的吐露，是震颤灵魂的艺术结晶。
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我相信大多数人都会认同“人的绘画技术达到一定程度时就成为了艺术”，既然艺术的前生是技术，那么技术就有“公式”，艺术更是如此，所以会有这样的说法“在绘画艺术中，减法比加法更能体现出作品的灵魂”，从古至今几千年的艺术，一直都保存着它的神秘感，所以人们在剖析艺术时尽可能的通俗、形象，
绘画是一种情绪的表达，一幅画作中必然存在艺术家自身的情感以及物象的情绪，但并不是说情绪越多越好、情感越丰富越好，为什么这么说呢？那是因为所有的情感都是用色彩、线条、构图来体现，而画作的空间始终都是有限的，艺术家只有把重点要表达的感情表达出来就可以了，太多的话，画面显的好零乱，
化繁为简，而且要生动形象，这是绘画创作中最起码的要求，舍去多余的，这便是所谓的减法，艺术家都会确保画面的干净整洁、主次分明，人们欣赏时，不至于审美疲劳，如果一幅画作里什么都有，就像一篇“长篇小说”的话，那就违背了绘画的初衷了，
绘画属于视觉艺术，强调的是视觉效果，人们没有过多的心思和时间去像“考古学家”一样去挖掘画作中的奥秘，可以这么认为，人们是通过画作来了解艺术家的经历和所处的时代，当然了，艺术家自身的文化素养、艺术修为也在画作中体现，把最完美的事物展现出来，这是艺术家所追求的，
要体现出作品的灵魂，一个伟大的艺术家通常都是减去那些阻碍自身发挥潜能的限制，因为艺术创作的过程中同样是有“阻力和动力”的，把阻力减去，力求对艺术的认知更加深刻，真正的做到“为艺术而艺术”，充分发挥天生就有的潜能，这样的作品才有灵魂。
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中华传统文化里的精髓就是空明无为，道为虚空包罗万象。在这种哲学思想的熏陶下。通过留白体现意境是绘画创作的基本功，也是最见功力之处。南宋四大家中的夏圭、马远。更是被称为“马一角”“夏半边”。都是留白大师。用有限的笔墨现造物的精华，用大片的留白，留无限之遐想。画面的灵魂就在这虚空留白之处，如同我们喝水的杯子。真正可用的是中间的虚空。所以减法是审美的高度升华。如同造物给了我们一切可见的物质，更给了无限的空间来存放它。
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有点近似宗教哲学了，舍比得更好，但现实中我们很难做到。无为有时候胜过有为，有出自无，空更能容纳等等。
凡是未知的就隐藏着更多的可能，而发生了的，基本我们可以预测它的结果，有结果的它就限定了。人的才能思想总是有限的，绘画也是这样没有人能做到完美，绘画是模仿客观，或者是主观想去把自然里的美阐述出来，无论人如何努力接近自然，但总是有差距，大自然本身是最好的艺术杰作。
所以有时候画的越多犯的错误越多，暴露的局限越多，当我们构筑一幅美的作品的时候，自然美的因素有时候是简练的，纯粹的，我们只需要不断抛弃吸引我们眼睛的细小的X，我们思想中“我”的小思想，有可能更容易接近事物的真相，从而创作出相对更完美的作品来。
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1.艺术的规律往往是由简到繁、再由繁到简，前者是加法，后者是减法，加法的过程是积累的过程，减法的过程是升华的过程，所以说“减法比加法更能体现出作品的灵魂”。
2.加法的结果会越来越富丽，减法的结果会越来越简约。富丽的东西往往形式大于灵魂，简约的东西往往灵魂高于形式。
3.中国画中的写意画，可以说就是以减法追求画的本质，了了几笔能打动人的是其内在的灵魂。西方现代主义所追求也是用最简捷的笔法去撬动人的审美灵魂。
